文艺片导演没责任让作品被所有观众都看懂
电影频道《今日影评》栏目，和今年的长春电影节联合举办了四场论坛，其中一场论坛的主题是《文艺片观众看不懂，导演有责任吗》，受邀参与了这场讨论，我的立场很鲜明，文艺片导演没责任让作品被所有观众都看懂。
这场论坛的主题很明确地把讨论对象限定在了文艺片身上。如果是商业片，就不存在讨论价值，因为商业片毫无疑问是要争取让所有观众都看懂的，商业片的属性也决定了要迎合观众、迎合市场，否则就会失去它的娱乐价值并继而失去它的商业价值。商业片观众看不懂，带来的最直接损失就是票房失败，这是出品方和创作者不愿意看到的，所以让观众看懂就成为了制片人和导演一致努力的方向。
但文艺片不一样。商业片注重娱乐表达，而文艺片则要有一定程度的思想表达，缺乏了思想表达的文艺片不是真正的文艺片。可能会有人认为，文艺片一样可以“文商结合”，拍得像商业片那么好看，比如《烈日灼心》、《白日焰火》，但剥离掉它们的娱乐看点，会发现这两部电影的最大价值体现，还是藏在故事深处冷峻、坚硬的文艺内核。如果这两部电影的导演放弃了自己的文艺追求，都争取让所有说看不懂的观众都看懂，就要牺牲掉电影里那些含蓄甚至有点儿晦涩的手法，导致影片的整体质量都会有所下降。
从创作的角度来看，捍卫文艺片导演没责任让作品被所有观众都看懂的权力，即是捍卫导演创作保持最大的自由度。如果一位导演在创作的时候，内心总想到投资人的钱收不收得回来，观众看不懂会不会骂，自己以后还有没有机会继续拍电影，那么导演势必会做出妥协，牺牲掉自己的个性，努力与大众审美接壤，这也势必会给导演的创作激情降温。如果一位导演拥有了外部环境给予的“创作自由”承诺，他们就会尽最大可能地释放自己的个性与激情，创造出伟大的电影。昆汀和伍迪·艾伦就是具有代表性的例子，他们电影的特色之一就是维护了自己创作时的任性，他们才不会管一部分观众会不会能理解透，他们最大的创作态度就是，自己拍高兴了，观众才会看得高兴。
我们有自己的反面例子，在陈凯歌拍《霸王别姬》、张艺谋拍《活着》的时候，他们是不会考虑观众看不看得懂的，当时的社会环境、创作环境、以及市场环境，都没有对导演提出必须要让观众看懂的要求，所以他们的现实批判主义才能够最大程度地通过电影传达给观众。后来陈凯歌为了让观众都看懂拍了《搜索》，张艺谋为了观众都看懂拍了《三枪拍案惊奇》，观众买账了吗，并没有，相反还把两位导演骂得狗血喷头，原因很简单，观众是用来征服的而不是用来迎合的，让观众都看懂作为一种迎合方式，会被事实证明这是最大的失败。
电影发展到今天，应该认真去思考一下电影存在的最大意义是什么。商业电影作为一种产品，它的娱乐功用在当下已经被体现得淋漓尽致，也被挖掘到底，再无提升的空间。商业电影的故事类型和叙事风格，包括商业电影的技术运用，都到达了顶点。那么观众对商业电影满意了吗？并没有。好莱坞模式已经被美国观众厌恶。中国观众对好莱坞的喜爱程度也在持续下降，这几年中国观众对原创性很强的国产片的支持，就充分体现出这一点。欧洲的观众，早已不吃好莱坞那一套。未来电影的出路，不在于商业化，而在于向文艺的回归。
电影的被发明，最早是作为一种新生事物被看待的，人们对活动的影像出现于银幕之上，抱有极大的好奇心。而商业片发展到顶峰，已经透支了这份好奇心。当电影的娱乐价值已经没有想象空间的时候，电影文艺价值的想象空间却仍然是无限的，电影作为思想的承载体，还有着无限的可能。无论是对人性的挖掘，还是对未来生活方式的展现，都必须通过文艺片来实现。因此，电影想要拥有发展的动力，就必须要承认导演的创作地位，要接受导演比观众更专业的事实，要维护导演在一部电影里融入让观众暂时看不懂的元素的权力。
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